Canparaní: "El arte, la alegría y la música nos recuerdan que somos una gran familia: la humanidad"


En un panorama donde la música infantil busca ir más allá del entretenimiento, Canparaní —abreviación de Canciones para Niños Grandes y Grandes Niños— propone un espacio de encuentro entre generaciones a través del juego, la creatividad y mensajes cargados de optimismo. Su nuevo sencillo, "Titilan Tilán", fusiona la carranga y el reggae para transmitir la importancia de los pequeños hábitos y la fuerza de voluntad, mientras invita a familias enteras a cantar, reflexionar y participar juntas. En esta entrevista, el grupo nos habla del origen del proyecto, de la influencia de la naturaleza en su proceso creativo, de su apuesta por publicar su próximo álbum canción a canción y de cómo creen que la música puede convertirse en una herramienta para construir una sociedad más empática, unida y consciente.

1.    Canparaní significa "Canciones para Niños Grandes y Grandes Niños". ¿Cómo nació este concepto y qué les inspiró a crear un proyecto pensado para conectar a diferentes generaciones?

Los integrantes de Canparaní hemos trabajado con infancias y observamos que padres o adultos acompañantes llevaban a sus chiquis a diferentes eventos artísticos sin involucrarse y/o ser parte del show. Vimos la oportunidad para promover encuentros entre diferentes generaciones desde el arte y el juego.

2.    Su música combina el juego, el aprendizaje y mensajes positivos. ¿Cómo consiguen equilibrar el aspecto pedagógico con la creación de canciones que también resulten entretenidas para toda la familia? 

Unimos la lúdica, el factor asombro y la creatividad, compartiendo mensajes sencillos que inviten a la reflexión y al pensamiento crítico de toda la familia.

3.    'Titilan Tilán' mezcla carranga y reggae de una forma muy natural. ¿Qué les llevó a unir estos dos estilos musicales y qué aporta cada uno al mensaje de la canción?

Dos lugares de los que más nos gusta disfrutar a los integrantes de Canparaní, son las montañas, el campo, la siembra, que se simboliza con la Carranga y el mar, la expansión, que se simboliza con el Reggae. 

4.    La canción habla de los pequeños hábitos y del poder de la voluntad. ¿Hubo alguna experiencia personal que inspirara la letra o el concepto de 'Titilan Tilán'?

En las discusiones que hacemos como grupo y cómo nos proyectamos, es cada vez más claro que los pequeños hábitos diarios y nuestra fuerza de voluntad, son claves para lograr nuestros propósitos grupales e individuales.

5.    Mauricio vive en la montaña y trabaja como apicultor, mientras que la naturaleza parece estar muy presente en la identidad de la banda. ¿De qué manera influye ese estilo de vida en la composición y en la visión artística de Canparaní?

La contemplación de la naturaleza y la autoobservación son fuente inagotable de inspiración para componer y compartir nuestra música.

6.    Mencionan influencias como Pim Pau, Canticuénticos, Totó la Momposina y Duo Karma. ¿Qué elementos han tomado de estos proyectos y qué creen que hace única la propuesta de Canparaní? 

Pimpau es juego y expresión corporal, Canticuenticos usan ritmos latinoamericanos y resaltan la identidad cultural, Toto la Momposina fue una gran difusora de la cumbia y Duo karma compone música para todas las edades donde promueven evitar el uso excesivo de pantallas. Todos esos conceptos están en Canparaní, donde los mezclamos con nuestra propia creatividad y vivencias compartiendo mensajes inspiradores con la intención de expandir nuestra mente y corazón.

7.    Su objetivo es que la mayor cantidad posible de personas de habla hispana cante 'Titilan Tilán'. ¿Qué esperan que sientan o reflexionen quienes hagan de esta canción parte de su día a día?

La invitación con esta canción es recordar la importancia de nuestros hábitos diarios y la fuerza de voluntad para lograr lo que nos propongamos en nuestra vida, Cantar el coro creyendo en lo que estoy diciendo, puede inspirar a que hagamos pequeños cambios en nuestro día a día que ayuden a mejorar nuestra vida.

8.    El tercer álbum irá publicándose canción por canción hasta principios de 2027. ¿Qué ventajas les ofrece este formato de lanzamiento frente a publicar el disco completo de una sola vez?

Nos permite enfocarnos en compartir de una manera más detallada, el concepto que queremos transmitir con cada canción.

9.    Han descrito el próximo sencillo, 'Chachafruto', como su "We Will Rock You" andino y latino. ¿Qué pueden adelantarnos sobre esta canción y por qué creen que tiene ese espíritu tan especial?

La canción empieza con un ritmo de tambor semejante a un latido del corazón donde proponemos frotar nuestras manos cuando decimos “Chacha” y luego tocar con una mano el corazón diciendo “fruto”, conectando la energía de nuestras manos con el corazón, todo esto cobijado por un ritmo andino con aire rockero.

10.   En una época marcada por la polarización, ustedes hablan de unir generaciones a través del arte, el juego y la música. ¿Qué papel creen que puede desempeñar la música infantil y familiar para construir una sociedad más empática y conectada?

Enfocarnos en lo que nos une, como el arte, la alegría, la generosidad, resalta nuestra verdadera naturaleza humana, conectando corazones y recordando lo que realmente somos: una gran familia: la humanidad.

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Reseña: Amanecer en la cosecha


Título: Amanecer en la cosecha (edición especial con cantos tintados)
Autor: Suzanne Collins
Editorial: Molino (parte de Penguin Random House Grupo Editorial)
Idioma: Castellano / Español
Número de páginas: 496 (en la edición de tapa dura)
Fecha de lanzamiento: 06/11/2025 (6 de noviembre de 2025)
ISBN: 9788427252776

Sinopsis:Cuando te roban todo lo que amas, ¿queda algo por lo que luchar? Amanece el día de los Quincuagésimos Juegos del Hambre y Haymitch Abernathy intenta no pensar demasiado en sus probabilidades. Lo único que le importa es que se acabe el día para poder estar con su chica. 
Cuando anuncian el nombre de Haymitch, todos sus sueños se rompen en pedazos. Lo separan de su familia y de su amada, y lo envían a los juegos. Haymitch comprende que el Capitolio quiere que fracase. Sin embargo, algo dentro de él desea luchar...

Goilli: Después de expandir el universo de Panem con La balada de pájaros cantores y serpientes, Suzanne Collins vuelve a situarnos dentro de la brutal maquinaria de los Juegos con Amanecer en la cosecha. Esta nueva novela nos lleva décadas antes de la historia de Katniss Everdeen, concretamente a los 50º Juegos del Hambre, el Segundo Vasallaje de los Veinticinco, un evento especialmente cruel en el que cada distrito debe enviar el doble de tributos.

Quienes ya conocemos la saga formada por Los juegos del hambre, En llamas y Sinsajo, además de la precuela La balada de pájaros cantores y serpientes, llegamos a esta historia con una ventaja: sabemos que los Juegos no son solo un espectáculo sangriento, sino una herramienta política diseñada para recordar a los distritos quién tiene el poder. Pero Collins vuelve a demostrar que aún queda mucho por explorar en este universo.

El protagonista de la novela es Haymitch Abernathy, mucho antes de convertirse en el mentor sarcástico, alcohólico y aparentemente derrotado que conocemos en la trilogía original.

Aquí lo vemos como un chico del Distrito 12 que intenta sobrevivir en un mundo que ya parece decidido en su contra. La cosecha de ese año rompe cualquier expectativa: el doble de tributos significa el doble de miedo, el doble de familias rotas y el doble de probabilidades de morir en la arena.

A través de Haymitch, la novela nos permite observar los Juegos desde una perspectiva distinta. Sabemos que él sobrevivirá —la historia ya nos lo había contado—, pero Collins construye la tensión de otra manera: no se trata solo de quién gana, sino de qué precio hay que pagar para hacerlo.

Si algo caracteriza las novelas de esta saga es su capacidad para reflexionar sobre el poder, la manipulación mediática y la deshumanización del espectáculo. En Amanecer en la cosecha, estos temas aparecen incluso con más claridad.

Los Juegos del Hambre siguen siendo un show cuidadosamente diseñado para el Capitolio, pero aquí vemos con mayor detalle cómo se construye ese espectáculo: la narrativa que se crea alrededor de los tributos, la manipulación de la imagen pública y la forma en que el sistema aplasta cualquier intento de rebeldía.

Quienes hayan leído La balada de pájaros cantores y serpientes reconocerán también algunas conexiones con el funcionamiento temprano de los Juegos y la evolución del Capitolio como máquina de propaganda.

En la trilogía original, Haymitch siempre fue un personaje fascinante, pero también enigmático. Sabíamos que había ganado los Juegos, sabíamos que algo lo había roto por dentro, pero nunca habíamos visto su historia completa. Esta novela llena ese vacío.

Collins construye un protagonista lleno de contradicciones: inteligente, irónico, vulnerable y profundamente humano. Al conocer su historia, muchas de sus actitudes en la trilogía original adquieren un nuevo significado.

Es una de esas precuelas que no se sienten innecesarias, porque no solo amplían el mundo, sino que reinterpretan lo que ya conocíamos.

Para quienes disfrutamos de la saga de Los Juegos del Hambre, Amanecer en la cosecha funciona casi como una pieza que faltaba en el puzzle. No es solo una historia sobre los Juegos, sino sobre cómo el sistema rompe a las personas incluso cuando logran sobrevivir.

Suzanne Collins demuestra una vez más que Panem sigue siendo un escenario potente para hablar de poder, desigualdad y resistencia.

Y aunque sepamos cómo termina la historia de Haymitch, descubrir todo lo que tuvo que perder para llegar hasta allí convierte esta novela en una lectura intensa y, por momentos, devastadora.

Una precuela que realmente aporta algo nuevo al universo de Panem. Oscura, crítica y emocionalmente potente, perfecta para quienes ya conocemos la saga y queremos entender mejor a uno de sus personajes más complejos.

¿Qué os ha parecido? ¿ La habéis leído? Os leemos en comentarios. 

 

(Vendido) ¡Nuevo peto en la tienda de Entrepetos Shop!

¡Nueva incorporación en @entrepetosshop!

Esta vez llega un peto Pull & Bear en talla XL, con un original diseño de rayas rojas y blancas que le da un toque diferente y muy llamativo. Una prenda perfecta para quienes buscan un estilo cómodo, desenfadado y con personalidad.

Como siempre, en Entrepetos Shop seguimos apostando por dar una segunda vida a prendas que todavía tienen mucho que ofrecer. Cada compra es una forma de apoyar un consumo más responsable y sostenible, además de encontrar ropa con mucho encanto.

Si este peto te ha llamado la atención, puedes encontrarlo ya disponible en la tienda. ¡Quizá sea el próximo en encontrar un nuevo hogar!



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Origen de la expresión "¡mucha mierda!"

En el mini post de hoy os venimos a contar el origen de la expresión "¡Mucha mierda!" que se utiliza en el mundo del teatro. ¡Comencemos!

En los siglos XVIII y XIX, cuando una obra de teatro tenía éxito, muchos espectadores acudían al teatro en carruajes tirados por caballos.

Eso tenía una consecuencia muy visible:

Cuantos más carruajes llegaban, más caballos había y más excrementos quedaban en la calle frente al teatro.

Así que:

Poca mierda = poco público = fracaso

Mucha mierda = teatro lleno = éxito

Por eso, cuando un actor salía a escena, sus compañeros le deseaban “¡mucha mierda!”, que en realidad significaba: “Ojalá el teatro esté lleno de público.”

¿Lo conocíais? ¿Qué os ha parecido? ¡Os leemos en los comentarios!

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Reseñas: Ladrones: La tiara de Santa Águeda


Sinopsis:
Amber (Silvia Alonso) es una de las más brillantes ladronas del mundo que, después de un robo fallido en Las Vegas, prepara su próximo golpe. Esta vez será en Isla Esperanza, un paradisiaco lugar perdido en mitad del Pacífico. 

Su objetivo es la Tiara de Santa Águeda, una joya valorada en 240 millones de dólares, que portará durante su boda la hija del magnate mexicano del petróleo Emilio Villegas (Asier Etxeandia). Para preparar el robo, Amber lleva tres años infiltrada en la familia Villegas como institutriz. 

Pero su milimétrico plan salta por los aires cuando aparece en la isla Rui (Álex González), un ladrón descarado y misterioso, con el que tuvo una complicada relación en Las Vegas durante un espectacular golpe. 

Ziortza: Esta serie nos cuenta la historia de Rui y Amber, dos ladrones que se conocen porque les hacen un encargo para que trabajen juntos en Las Vegas. Mientras prepraran ese robo, se enamoran y al final deciden plantar a la persona que les ha hecho el encargo, pensando que podrían escapar, pero no fue así. 

Rui hace que Amber huya mientras les disparan y ella cree que esta muerto. Por ello, decide robar la Tiara de Santa Águeda, joya de la que le hablo Rui y así, poder conseguir tener su conciencia tranquila, ya que se culpa por haberle dejado solo. 

Para poder conseguir robar la joya, se hace institutriz del hijo del dueño de la joya y se hace mejor amiga de la hija, para así poder tener acceso total a la familia y cuando ya tiene el plan trazado y esta a punto de robar la joya, Rui aparece y eso la desestabiliza. 

En ese momento es cuando la serie adquiere otro nivel, ya que vemos la lucha constante de los protagonistas a confiar el uno en el otro cuando saben que se podrían traicionar uno al otro en cualquier momento. Con un grupo variopinto que se encuentran en la isla en la que están, trazan un plan para poder robar la joya. 

Es una serie corta y entretenida, que no se hace pesada en ningun momento, en el que se nota la tensión entre los dos protagonistas, que luchan con la cabeza y el corazón cuando el otro está delante y eso hace que pasen cosas muy curiosas entre los dos, que puede que consigan sacarte una sonrisa o alguna lagrima, dependiendo del momento. 

La verdad que es una serie que se ve de un tirón, ya que solo tiene 6 capitulos y la verdad es que te quedas con ganas de ver más de estos dos. De verdad, si no la habéis visto y no sabéis que ver, yo os la recomiendo totalmente. 

¿La habéis visto? Os leemos en comentarios

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Big Smith: Tradición y resistencia en el workwear americano


En el post de hoy os traemos un mini artículo sobre otra marca de ropa de trabajo muy icónica de Estados Unidos. ¡Comencemos!

Desde hace más de un siglo, Big Smith ha sido sinónimo de ropa de trabajo robusta, cómoda y confiable. Fundada en 1916 en Carthage, Missouri, la marca comenzó fabricando overalls y petos de mezclilla pensados para resistir las duras jornadas de granjeros, constructores y mecánicos.

Su fama creció gracias a la durabilidad y practicidad de sus prendas, convirtiéndose en un básico dentro del armario de los trabajadores del medio oeste estadounidense. Con el tiempo, Big Smith expandió su catálogo incluyendo camisas, chaquetas y otros accesorios, siempre manteniendo el espíritu del workwear clásico.

Hoy en día, la marca conserva ese aire auténtico que la conecta con sus orígenes, siendo buscada tanto por quienes aprecian su valor funcional como por los entusiastas de la moda vintage y el estilo utilitario.

Big Smith no solo es ropa de trabajo: es parte de la historia de cómo Estados Unidos vistió y acompañó a sus trabajadores durante generaciones.

¿Conocíais esta marca? ¿Qué os ha parecido el artículo? ¡Os leemos en los comentarios!

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Reseñas: Ponyo


En el post de hoy os traemos la reseña de la película de anime "Ponyo". ¡Comencemos!

Sinopsis:

Ponyo cuenta la historia de Sōsuke, un niño de cinco años que vive junto al mar y cuya vida cambia por completo cuando encuentra atrapada en un frasco a una pequeña pez dorado llamada Ponyo. Tras salvarla, ambos crean un vínculo muy especial, pero Ponyo no es un pez cualquiera: es la hija de un poderoso mago del océano y sueña con convertirse en humana para poder vivir junto a Sōsuke.

Sin embargo, el deseo de Ponyo altera el equilibrio de la naturaleza y provoca una serie de fenómenos mágicos que amenazan con desatar el caos en el mundo. Mientras el mar comienza a transformarse, Sōsuke deberá demostrar la fuerza de su amistad y afrontar una aventura llena de fantasía, ternura y descubrimiento.

Opiniones:

Jon: La verdad es que no he visto demasiadas películas del Studio Ghibli ni de Hayao Miyazaki. La última que había visto antes de Ponyo fue My Neighbor Totoro, una película que visualmente me pareció preciosa, aunque su trama quizá me resultó algo peculiar o difícil de entender en ciertos momentos.

Por eso, cuando descubrí el tráiler de Ponyo, otra de las películas pendientes que tenía del estudio Ghibli, decidí darle una oportunidad. Y sinceramente, merece muchísimo la pena.

Si hay algo que destaca de manera brutal en esta película es su apartado visual. Hayao Miyazaki dibuja de una forma absolutamente increíble y Studio Ghibli vuelve a demostrar aquí por qué está considerado uno de los estudios de animación más importantes de la historia. Cada escena está llena de color, movimiento y detalles que hacen que la película entre directamente por los ojos.

Solo por su estilo artístico ya merece la pena verla. El mar, las olas, los paisajes y las criaturas tienen una personalidad única y transmiten una sensación de magia constante. Es una película muy viva visualmente y que consigue atraparte incluso en sus momentos más tranquilos.

Otro de los puntos fuertes que tiene la película es la inocencia que transmiten sus dos protagonistas, Ponyo y Sōsuke. Ambos hacen muy buenas migas desde el primer momento y desarrollan una relación muy cercana y entrañable. La película refleja perfectamente esa curiosidad innata que tienen los niños por descubrir el mundo, entenderlo todo y dejarse llevar sin pensar demasiado en las consecuencias. Precisamente ahí reside parte de su encanto: en mostrar esa inocencia pura que muchas veces los adultos acabamos perdiendo con el paso del tiempo.

Otro aspecto que personalmente me ha gustado muchísimo es la ambientación. La historia transcurre en un pequeño pueblo marinero de Japón y, después de haber viajado dos veces allí el año pasado, siento que la película consigue transmitir muy bien la esencia del Japón más rural y tradicional. Aunque no he estado en pueblos costeros pequeños, sí que me recordó mucho a lugares como Takayama o incluso a la atmósfera tranquila de Shirakawa-go. Esa sensación de calma, las casitas, las calles pequeñas y el entorno natural hacen que todo tenga una magia muy especial.

Y, por último, otro de los grandes puntos fuertes de la película es el mensaje que transmite. Como ocurre en muchas obras de Miyazaki, aquí también hay una reflexión muy clara sobre la importancia de cuidar el medio ambiente. Al desarrollarse en un entorno marítimo, la película muestra en varias ocasiones la contaminación del océano y deja un mensaje muy bonito sobre la necesidad de proteger el mar y respetar la naturaleza.

En general, Ponyo me ha parecido una película muy bonita, relajante y llena de magia. Quizá sea una historia sencilla, pero precisamente esa sencillez, junto con su espectacular apartado artístico y el mensaje que transmite, hace que merezca muchísimo la pena verla.

¿La habéis visto? ¿Qué os ha parecido? ¡Os leemos en los comentarios!


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